Pascal Dusapin
Composer
After an adolescence marked by a wide variety of musical worlds (Varèse, organ, Bach, the Doors, free jazz, Beethoven, etc.), Pascal Dusapin studied with Iannis Xenakis from 1974 to 1978, who broadened his horizons to include mathematics and architecture. His first pieces, Souvenir du silence (1975) and Timée (1978), were received by Franco Donatoni and Hughes Dufourt.
In 1977, he won the Fondation de la Vocation prize and in 1981 the Villa Médicis prize, where he stayed for two years and wrote Tre Scalini, Fist, Quatuor n°1 and Niobé. In 1986, he met choreographer Dominique Bagouet and composed the ballet Assaï for his company. The same year, he began composing his first opera, in collaboration with writer Olivier Cadiot: Roméo & Juliette, performed in 1989 at the Opéra de Montpellier and the Festival d'Avignon. Medeamaterial after Heiner Müller premiered at La Monnaie in Brussels in 1991, To be sung, after Gertrude Stein, in 1994 at Les Amandiers de Nanterre, Perelà, Uomo di fumo, after Aldo Palazzeschi, in 2003 at the Opéra Bastille.
He wrote the libretto for his next two operas: Faustus, The Last Night premiered at Berlin's Staatsoper Unter der Linden in 2006 and Passion at the Festival d'Aix-en-Provence in 2008. Penthesilea, after Kleist, and Macbeth Underworld premiered successively in 2015 and 2019 at La Monnaie in Brussels. Pascal Dusapin has also written seven string quartets, several vocal works (including O Mensch!), solo piano pieces (including seven études) and a piano concerto, A Quia, as well as, from 1991 to 2009, a series of solos for orchestra: Go, Extenso, Apex, Clam, Exeo, Reverso and Uncut. A new cycle for orchestra is currently underway, inspired by nature; Morning in Long Island is the first part. In 2020, on the occasion of writer Maurice Genevoix's entry into the Pantheon, the President of the French Republic commissioned him to create a permanent work for the Pantheon: In Nomine Lucis. The 2021 edition of Radio France's Présences festival of musical creation is dedicated to him. - https://www.operadeparis.fr

Francesco Filidei
Composer
Francesco Filidei graduated from the Luigi Cherubini Conservatory in Florence, where he won unanimous first prizes in organ and composition. He then attended advanced courses with Salvatore Sciarrino, Sylvano Bussotti, Giacomo Manzoni and Jean Guillou in Zurich. From 1999 to 2005, he studied composition at the Conservatoire National Supérieur de Paris with Marco Stroppa and Frédéric Durieux, and analysis with Michaël Lévinas. At the same time, he took part in Ircam's Cursus de composition et d'informatique musicale in 2001-2002 - where he was taught by Philippe Leroux - and in the "Voix nouvelles" composition session at Royaumont in 2004. As a soloist, he has been invited to the Berlin Philharmonic, the Festival d'Automne in Paris, the Archipel Festival in Geneva, the Venice Biennale, Milano Musica (La Scala season 2008-2009), Ircam, the Vienna Theaterhaus and the Forum Neues Musiktheater in Stuttgart. His works, published by Rai Trade, are performed by various ensembles, including Itinéraire, Alter Ego, Cairn, L'Instant donné, Nouvel Ensemble Moderne, Atelier XX, Court-Circuit, Ensemble intercontemporain, Ensemble Orchestral Contemporain, Percussions de Strasbourg, Quatuor Béla, Quartetto Prometeo, Klangforum Wien, SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, WDR Sinfonieorchester Köln, Ensemble Recherche, Ensemble Remix, 2e2m, MusikFabrik, Les Cris de Paris, Ensemble Linea and Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI. He won the Salzburg Music Forderpreistrager in 2006, the Takefu International Music Festival Prize in 2007, the Siemens Förderpreis in 2009 and the Unesco Picasso/Miro Medal from the Rostrum of Composers in 2011. In 2025, he was awarded the Grand Prix Antoine Livio. Francesco Filidei was appointed composer-in-residence at the Schloss Solitude Academy in Stuttgart in 2006, and a member of the Casa de Velázquez in Madrid for two years in 2007. In 2010, he was appointed professor of composition at the Voix Nouvelles festival in Royaumont, and in 2011, he was guest professor at the University of Iowa and the Academie Takefu. He was a resident at the Villa Medicis in Rome in 2012 and 2013, and composer-in-residence at Ensemble 2e2m in 2015. In 2016, he was named Chevalier des Arts et Lettres by the French Ministry of Culture. He is composer-in-residence at the Genoa Opera - Teatro Carlo Felice from 2022 to 2025. Francesco Filidei joined the Emilia Region Theaters Foundation in Italy as a musical consultant in 2018 and the Villa Medici in Rome as artistic director of the Controtempo contemporary music festival. In 2019, commissioned by the Opéra comique, he composed the opera L'inondation in collaboration with Joël Pommerat. In 2021, he adapts Le masque de la mort rouge commissioned by Ircam, for the 100th anniversary of the Donaueschinger Musiktage, for which he received the SWR Orchesterpreis. In 2025, his opera Il nome della rosaadapted from Umberto Eco, premiered at La Scala, Milan. His works are published by Rai Trade and, since 2018, by Ricordi. - Ircam-Centre Pompidou, 2017

Yann Robin
Compositeur
Yann Robin débute ses études musicales à Aix-en-Provence. Il entre par la suite dans la classe de jazz du Conservatoire national de région de Marseille et intègre parallèlement la classe de composition de Georges Bœuf. Il poursuit des études d’harmonie et de contrepoint au Conservatoire national de région de Paris et de musicologie à la Sorbonne. Au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, il obtient un premier prix de composition dans la classe de Frédéric Durieux et d’analyse dans celle de Michaël Lévinas. En 2004, il participe au cours de composition de Jonathan Harvey au Centre Acanthes et réside l’année suivante à la Fondation Royaumont. En 2006, il est sélectionné pour le quatrième Forum de l’Ensemble Aleph. Cette même année, il devient boursier de la Fondation Meyer. De 2006 à 2008, il suit les deux années de cursus informatique de l’Ircam. En 2008, il reçoit un prix de la Fondation Salabert ainsi qu’une bourse de l’Académie des Beaux-Arts. En 2008-2009, Yann Robin participe, en tant que compositeur en recherche à l’Ircam, aux travaux en cours autour du programme Omax aux côtés de Gérard Assayag et d’Arshia Cont. En 2005, il fonde avec d’autres compositeurs l’Ensemble Multilatérale et en devient le directeur artistique. En 2009 et 2010, il est pensionnaire de la Villa Médicis à Rome. Il y crée un nouveau festival de musique contemporaine, le Festival Controtempo. En 2011, la Sacem lui décerne le Grand Prix de la musique symphonique.
Sa musique est jouée aussi bien en France qu’à l’étranger, dans des festivals comme Agora, Lucerne, Musica, Donaueschingen, Manca, Archipel, Présences, Gaudeamus, la Biennale de Venise.
En 2003, il reçoit sa première commande d’État et remporte le Concours international de Composition Frédéric Mompou à Barcelone. En 2004, l’Ensemble intercontemporain crée son Quatuor Phigures. En 2005, il est en résidence à La Muse en Circuit et réalise Chaostika pour percussion et électronique. Pour le soixantième anniversaire de l’UNESCO, il écrit Polycosm pour cinq instruments traditionnels et grand orchestre. À la suite d’une commande de l’ARCAL, il côtoie le théâtre musical avec Ni l’un ni l’autre, projet inspiré du roman de Goethe Les Années d’apprentissage de Wilhelm Meister.
L’Ensemble orchestral contemporain lui passe une commande d’État pour Art of Metal, concerto pour clarinette contrebasse métal et ensemble, initiant un cycle de trois pièces pour ce même instrument et réalisé en intime collaboration avec Alain Billard. Suivront donc Art of Metal II (pour clarinette contrebasse métal et électronique) ainsi qu’Art of metal III (pour clarinette contrebasse métal, ensemble et électronique) créée au festival Agora en 2008 par l’Ensemble intercontemporain, sous la direction de Susanna Mälkki. Cette même année, il reçoit une commande du Festival de Lucerne où est créée Titans pour douze percussionnistes et une commande de Radio France pour le Festival Présences où est créée Countdown pour ensemble. De 2006 à 2008, il est compositeur invité à l’Orchestre national de Lille pour lequel il écrit deux pièces. En 2010, sont créés Vulcano pour l’Ensemble intercontemporain et Scratches, commande du GMEM pour quatuor à cordes et électronique en collaboration avec le Quatuor Diotima. Un autre quatuor à cordes, Crescent Scratches, lui fait suite, créé au festival d’Aix-en-Provence en 2011.
Basé sur la cartographie de l’Enfer de Dante, Inferno, co-commande de l’Ircam et de l’Orchestre Philharmonique de Radio France pour grand orchestre et électronique, est créé en juin 2012 au festival ManiFeste de l'Ircam. La même année, il reçoit également une commande du New York Philharmonic Orchestra et de la Casa Da Musica à Porto, Backdraft. En 2015, l’Orchestre Symphonique de Seattle crée Ashes sous la direction de Ludovic Morlot. Le Festival Musica de Strasbourg lui commande deux nouvelles pièces pour son édition de 2015, Arkham et Unza Danza. Son troisième quatuor à cordes, Shadows, est créé en 2016 par le Quatuor Tana. En 2020, l'Ircam lui commande le concerto pour contrebasse, ensemble et électronique Triades, créé à la Philharmonie de Paris par l'Ensemble Intercontemporain.
En 2023, est créée à la Philharmonie de Paris à l'occasion du festival Présences sa pièce Requiem Aeternam - Monumenta II, pièce monumentale pour 150 interprètes mêlant la forme profane du concerto et celle, sacrée, du requiem. Ses partitions sont éditées aux éditions Jobert. — Ircam-Centre Pompidou, 2018

Claude Vivier
Compositeur
Claude Vivier est né à Montréal, le 14 avril 1948 (encore que cette date soit incertaine), de parents inconnus : « Le fait de savoir que je n’avais ni père ni mère m’a procuré un univers de rêve merveilleux ; je façonnais mes origines comme je le voulais, feignais de parler des langues étranges. La réalité que je côtoyais chaque jour était hélas d’un commerce très dur, musclé. » Adopté en 1950, il grandit en effet dans un milieu modeste. À la crèche, on le croit sourd-muet et il ne parlera qu’à l’âge de six ans. En 1964, à la suite d’une grande période mystique, il se destine à la prêtrise et devient pensionnaire au juvénat de Saint-Vincent-de-Paul, où il touche l’orgue et compose quelques préludes, et où la musique lui est révélée lors d’une Messe de minuit. Exclu du séminaire pour « manque de maturité », rejet qu’il subit avec difficulté, il entre en 1967 au Conservatoire de musique de Montréal. Il y étudie jusqu’en 1970 dans les classes d’Irving Heller (piano) et de Gilles Tremblay (composition), auprès de qui il travaille sur Varèse et naît une deuxième fois, « à la musique ». Parmi les étudiants, Michel-Georges Brégent et Walter Boudreau comptent parmi ses amis. Un Quatuor à cordes (1968), Ojikawa (1968), où il utilise déjà un langage inventé, Musique pour une liberté à bâtir (1968-1969) et Prolifération (1969) suscitent l’intérêt, au point que la Société de musique contemporaine du Québec commence à inscrire les œuvres de Vivier à ses programmes de concerts. Grâce à des bourses du Conseil des Arts du Canada, il étudie la musique électroacoustique à l’Institut de sonologie d’Utrecht (1971), auprès de Gottfried Michael Koenig, avant d’autres séjours en Europe, principalement à Paris (1972), où il est élève de Paul Méfano, et à Cologne (1972-1974), où il étudie avec Richard Toop, Hans Ulrich Humpert et Karlheinz Stockhausen, qui exerce une influence décisive sur ses œuvres chorales, dans le sillage de Stimmung (1968), et auprès de qui il déclare être né une troisième fois, « à la composition ». Musik für das Ende (1971), Désintégration (1972-1974), Chants (1973), O ! Kosmos (1973), Jesus erbarme dich (1973) et jusqu’à Lettura di Dante (1974) témoignent d’une prédilection pour la voix et pour une écriture homophonique, dépassant sa période antérieure, plus « conceptuelle », et qu’il avait placée sous le signe du structuralisme. De retour à Montréal, il travaille à sept courtes pièces pour duos ou pour instruments solistes, destinées à la finale du Concours de musique du Canada, section « Tremplin international », mais aussi à Liebesgedichte (1975) et à Siddhartha (1976), pour l’Orchestre national des jeunes du Canada. Quelques mois d’enseignement à l’Université d’Ottawa suivront, en 1976, année au cours de laquelle il réalise une bande magnétique pour la pièce de Büchner, Woyzeck, adaptée pour le théâtre de marionnettes par le Centre national des Arts d’Ottawa. En 1976-1977, il effectue un long voyage en Orient : Japon, Iran, Java et surtout Bali, où il séjourne trois mois, et dont il retient non seulement plusieurs éléments de technique musicale, mais aussi le principe d’une intégration de l’art dans la vie de tous les jours. « Je réalise de façon patente que ce voyage n’est finalement qu’un voyage au fond de moi-même », écrit-il à son retour, alors qu’il compose Pulau Dewata (1977), Shiraz (1977), Paramirabo (1978), œuvres imprégnées de cette expérience orientale, et Journal (1977), où il aborde les thèmes de l’enfance, de l’amour, de la mort et de l’immortalité, et collabore avec les danseurs du Groupe de la Place Royale pour les ballets Love Songs (1977) et Nanti Malam (1977). Un temps représentant du Québec au Conseil d’administration du Centre de musique canadienne, il fonde en 1978, avec Lorraine Vaillancourt, John Rea et José Evangelista, les Événements du Neuf, institution chargée de promouvoir la musique contemporaine à Montréal, et entreprend la composition d’un opéra Kopernikus (1979), créé en 1980, et dont il écrit lui-même le livret. Après Orion (1979), Lonely Child (1980), Zipangu (1980), Prologue pour un Marco Polo (1981), sur un livret de son ami Paul Chamberland, et Wo bist du Licht (1981), Vivier, intéressé par le cinéma, tourne en 1981 dans une vidéo, L’Homme de Pékin, réalisée conjointement par lui-même, Daniel Dion et Philippe Poloni et projette un opéra sur la vie de Tchaikovski. En 1982, grâce à une nouvelle bourse du Conseil des Arts du Canada, il s’établit à Paris, où il meurt sauvagement assassiné, sans doute dans la nuit du 7 au 8 mars 1983, laissant inachevée sa dernière œuvre Glaubst du an die Unsterblichkeit der Seele, pour chœur et cinq instrumentistes. — Ircam-Centre Pompidou, 2007

Kaija Saariaho
Compositeur
Kaija Saariaho, née Kaija Anneli Laakkonen, est née en Finlande le 14 octobre 1952. Elle étudie les arts visuels à l’université des arts industriels (aujourd’hui Université d’art et de design) d’Helsinki. Elle se consacre à la composition avec Paavo Heininen, à partir de 1976, à l'académie Sibelius où elle obtient son diplôme en 1980. Elle étudie avec Klaus Huber et Brian Ferneyhough à la Musikhochschule de Freibourg-en-Breisgau de 1981 à 1983, puis s’intéresse à l’informatique musicale à l’Ircam durant l’année 1982. Elle vit depuis à Paris. Elle enseigne la composition à San Diego, Californie en 1988-1989 et à l’académie Sibelius à Helsinki de 1997 à 1998, puis à nouveau entre 2005 et 2009. Le travail de Kaija Saariaho s’inscrit dans la lignée spectrale avec, au cœur de son langage depuis les années quatre-vingt, l’exploration du principe d’« axe timbral », où « une texture bruitée et grenue serait assimilable à la dissonance, alors qu’une texture lisse et limpide correspondrait à la consonance ». Les sonorités ductiles du violoncelle et de la flûte se prêtent parfaitement à cette exploration continue : Laconisme de l’aile pour flûte (1982) ou Près pour violoncelle et électronique (1992) travaillent entre sons éthérés, clairs et sons saturés, bruités.
Son parcours est jalonné de nombreux prix qui couronnent ses œuvres les plus importantes : Kranichsteiner Musikpreis pour Lichtbogen (1986), œuvre qui révéla la tonalité personnelle et lumineuse de Kaija Saariaho au sein de l’esthétique spectrale ; Prix Ars Electronica et Italia pour Stilleben (1988), qui joue avec virtuosité sur les errements de la conscience avec le médium radiophonique. Dans les années deux mille, son œuvre sera encore maintes fois récompensée – Nordic Council Music Prize (2000), Prix Schock (2001), American Grawemeyer Award for Music Composition (2003), Musical America Composer (2008), Wihuri Sibelius Prize (2009), Léonie Sonning Music Prize (Danemark, 2011), Grand prix lycéen des compositeurs en 2013 pour Leino Songs. En 2018, la fondation BBVA lui décerne le prix Frontiers of Knowledge pour sa contribution à la musique contemporaine. En 2021, elle reçoit le Lion d'Or de la Biennale Musicale de Venise. Les années quatre-vingt marquent l’affirmation de son style, fondé sur des transformations progressives du matériau sonore, qui culmine avec le diptyque pour orchestre Du cristal…à la fumée. Dans cette même veine, citons les pièces NoaNoa, Amers, Près et Solar, écrites en 1992 et 1993. Suit une brève période de remise en cause, au moment même où la compositrice se trouve projetée sur la scène internationale à la faveur de nombreuses commandes. La composition de l’Amour de loin, opéra sur un livret d’Amin Maalouf, mis en scène par Peter Sellars, signe une nouvelle étape où les principes issus du spectralisme, totalement absorbés, se doublent d’un lyrisme nouveau.
Après cet opéra, dont l'enregistrement par Kent Nagano fait l'objet du Grammy Award 2011, Saariaho composera de nombreuses pièces orchestrales pour de prestigieuses formations, un deuxième opéra, Adriana Mater, une passion sur la vie de Simone Weil, La passion de Simone, deux œuvres encore réalisées avec Sellars et Maalouf, et en 2008, un monodrame sur un livret de ce dernier d'après Madame du Châtelet Émilie, créé par Karita Mattila à l'Opéra de Lyon en 2010. En 2012, elle compose Circle Map, pièce pour orchestre et électronique, dont six poèmes de Rumi lus en persan servent de matériau pour la réalisation de la partie électronique et d'inspiration pour l'écriture orchestrale. Son opéra Only the Sound Remains (2015), mis en scène par Peters Sellars et inspiré de deux pièces du théâtre Nô traduites par Ezra Pound, est créé en 2016 à l'Opéra d'Amsterdam. Son travail de composition s’est toujours fait en compagnonnage avec d’autres artistes, parmi lesquels le musicologue Risto Nieminen, le chef Esa-Pekka Salonen, le violoncelliste Anssi Karttunen (artistes finlandais tous issus du groupe « Korvat Auki ! » (« Ouvrez les oreilles ! »), collectif fondé dans les années soixante-dix à Helsinki, et auquel Saariaho collabora) ; la flûtiste Camilla Hoitenga, les sopranos Dawn Upshaw et Karita Mattila, ou encore, le pianiste Emmanuel Ax. — Ircam-Centre Pompidou, 2019

Fausto Romitelli
Composer
Italian composer born in Gorizia in 1963, Fausto Romitelli died prematurely in 2004. A pupil of Franco Donatoni, he was influenced by Ligeti, Scelsi, Grisey and spectral music. From the 1980s onwards, he saw sound as a material to be sculpted, as evidenced by his first works(Ganimede, Kû). He continued his research in Paris at Ircam, where he attended the Cursus program and collaborated on research into sound synthesis and spectral analysis. Rejecting boundaries between styles, he integrates distortion, saturation and references to rock into a hybrid aesthetic. Works such as Acid Dreams & Spanish Queens, Cupio Dissolvi and Professor Bad Trip combine acoustic instruments and electroacoustic devices to create hallucinatory climates. His music explores instability, excess and fragmentation. An Index of Metals (2003), his masterpiece and video opera, combines voice, amplified ensemble and video in an immersive work. Romitelli leaves behind a short but intensely influential work that has become cult for a generation of composers.